Lilian C. Mendonça - Iniciou seus estudos aos 4 anos de idade com a professora Odete Alamy. Aos seis (6) anos fez seu primeiro recital. Participação em diversos recitais e também na TV. Aos 13 anos iniciou suas atividades didáticas. Fundou a escola LÍLIAN CENTRO DE MÚSICA, onde é diretora e professora de piano, formação musical e desenvolvimento da inteligência. Fez vários Cursos de Piano, Interpretação Pianística e Estética Musical com renomados professores, tais como: Arnaldo Estrella , Bruno Seidlhofer, Maestro Camargo Guarnieri, Maria Luiza Priolli , além de aulas mensais com Belkiss Carneiro de Mendonça, entre outros. Participou diversas vezes do Werkstattkonzert em Salzburg no Internationale Sommerakademie Mozarteum na classe de Sergei Dorensky, Riccardo Risaliti. Por várias vezes .em cursos especiais na Rússia, teve aulas com os pianistas: Alexander Mndoyants, Sergei Dorensky, Yuri Arapetian, Helena Richter, Natalia Trulle, Igor Gavrych. Fez Pesquisas sobre o Ensino Musical em diversos locais: Austrália, Europa, Américas, China, Japão, África do Sul, destacando o curso de inverno em Londres, onde teve master class com Claudio Arrau. Por vários anos seguidos frequentou cursos nos Institutes for the Achievement of Human Potential (IAHP), tendo como mestre Glenn Doman; Curso Jaques-Dalcroze em Genebra, Hungria e outros países. Conta com mais de dois mil alunos do LÍLIAN CENTRO DE MÚSICA que obtiveram a primeira classificação em concursos nacionais e internacionais de piano, música de câmara, piano a quatro mãos, violão, flauta transversal, e mais de quatro mil foram classificados em segundo, terceiro lugar e menção honrosa desde 1966 até nossos dias. É sempre convidada para participar em congressos, cursos e bancas de concursos, bem como para ministrar cursos sobre o método de ensino criado por ela sobre música e desenvolvimento da inteligência em vários países, como Índia, China, Hungria e estados do Brasil. Produz Várias realizações no Lilian Centro de Música, como: apresentações, recitais e peças em teatros de Goiânia e outras cidades, além de promoções com artistas compositores professores famosos como Marlos Nobre, Sergei Dorensky, os Canarinhos de Petrópolis, Mauricy Martin, David Korevaar, Thereza Bogard, Diego Caetano, Almeida Prado, Miguel Proença etc.
Sobre seu curso "Música e Desenvolvimento da inteligência" esse método tem a nítida preocupação com a questão da cultura musical, reciclando e estimulando a descoberta de novos valores, numa abordagem mais diretamente voltada para um fazer artístico conjugado à necessária reflexão sobre o desenvolvimento, aprendizado e, consequentemente , como adquirir mais inteligência. Lilian Carneiro de Mendonça considera que a musicalização de crianças e adultos deve ser feito por meio do instrumento como conhecimento prévio do mesmo, com a utilização do grupo como incentivo, controle, modelo e espelho para aquisição das habilidades pretendidas pelo método do LÍLIAN CENTRO DE MÚSICA ou seja: na prática musical, internalizar conhecimento matemático, linguístico, de física, geografia, história, etc, utilizando a melodia, o ritmo e movimento como elementos importantes na abertura dos canais de comunicação e a interdisciplinaridade.

CONVIDADOS:

  Ana Mae Tavares Bastos Barbosa - Mestrado e Doutorado nos Estados Unidos Pós Doutorado na Inglaterra. Ensinou na Universidade de Granada, Yale University e The ohio State University Prof. Titular da USP e Anhembi Morumbi. Prêmio Itaú Cultural 30 anos. Internacional Herbert Read, Norte Americano Edwin Ziegfeld, Mais de 20 livros publicados.

  Edu Pacheco é Bacharel em Música Percussão - UFSM
Mestre Educação - UFSM
Doutor em Educação- UFRGS
Prof. Adjunto UERGS
Coord. PPGED-MP UERGS
Coord. ZIP - Zona de Investigações Poéticas (grupo de pesquisa CAPES)

  Fernando Antônio Gonçalves de Azevedo - Graduado em Filosofia pela Universidade Católica de Pernambuco (1976), mestre em Artes pela Universidade de São Paulo (2001) e doutor em Educação pela Universidade Federal de Pernambuco - UFPE (2014). Professor do curso de Pedagogia do Centro Acadêmico do Agreste da Universidade Federal de Pernambuco – CAA/UFPE. Experiência na área de Artes, com ênfase em Ensino de Arte, atuando principalmente nos seguintes temas: arte educação, história da arte educação, educação especial, ensino de arte, formação continuada de professores e inclusão social e cultural, além de Filosofia e Filosofia da Educação.

  Isabel Marques - Coreógrafa, diretora e professora de dança, escritora. Formada em Pedagogia pela USP, Mestre em Dança pelo Laban Centre, Londres (hoje Trinity Laban), doutora pela Faculdade de Educação da USP/96. Fundou e dirige o Caleidos Cia. de Dança desde 1996. Criou e dirigiu Caleidos Arte e Ensino, em São Paulo (2001-2008), hoje Instituto Caleidos. Premiada pela Bolsa Vitae de Artes (1993), pelo Programa Municipal de Fomento à Dança (2008, 2009, 2011, 2013, 2015, 2019), pelo ProAC (2009, 2010, 2018), pelo Prêmio FUNARTE de Dança Klauss Vianna (2009, 2013, 2015), finalista do Prêmio Jabuti (2011, 2013). Recebeu Bolsa Pesquisador Visitante da FAPESP, Bolsa Pesquisa CNPq e Difusão Cultural do MinC para participar do curso Relatedness in Motion, no Trinity Laban, Londres. Assessora do MEC na elaboração dos Parâmetros Curriculares Nacionais (Dança), da UNESCO em documento para América Latina e da Secretaria Municipal de Educação de SP (1992-93, 2015-16). Foi professora do cursos de Licenciatura em Dança da UNICAMP e da Universidade Anhambi Morumbi e nos cursos de Pós-graduação da UFV, UDESC, UEA, UFPE, UFRN, USP, entre outros. Autora dos livros “Ensino de Dança Hoje” (6ª. ed), “Dançando na Escola” (6ª. ed), “Linguagem da dança: arte e ensino” (finalista do Prêmio Jabuti), “Interações: criança, dança, escola”, e, com Fábio Brazil, “Arte em Questões” (2ª. ed, finalista do Prêmio Jabuti). Apresentou espetáculos, palestras e trabalhos de pesquisa em vários estados e cidades do Brasil e no exterior (Portugal, Cuba, Inglaterra, Finlândia, Estados Unidos, Austrália). Colabora/ou como coreógrafa, docente e pesquisadora com o Acupe Grupo de Dança, de Recife (PE); Balé Baião, de Itapipoca (CE), Waldete Britto Cia. de Dança, em Belém (PA) e Cia ETC., de Recife (PE). Coordena, com Fábio Brazil, o projeto Caleidos Solidário, que integra arte, educação e ações sociais.

  Ricard Huerta es Catedrático de Educación Artística en la Universitat de València. Artista y docente, es investigador del Instituto de Creatividad e Innovaciones Educativas. Director de EARI Educación Artística Revista de Investigación www.revistaeari.org Director del Diploma de Especialización en Educación Artística y Gestión de Museos. Director de Museari www.museari.com Fundador de AVALEM Asociación Valenciana de Educadores de Museos y Patrimonios. Doctor en Bellas Artes y licenciado en Música, Bellas Artes y Comunicación Audiovisual. Coordinador del Grupo CREARI de Investigación en Pedagogías Culturales (GIUV2013-103) http://www.uv.es/creari Profesor del Departamento de Didáctica de la Expresión Musical, Plástica y Corporal de la Facultat de Magisteri. Dirige el Proyecto de Innovación Educativa Second Round, Art i Lluita en Secundària. Miembro del Seminario de Género y Diversidad Sexual de los Museos de Catalunya. Investigador invitado en universidades del Reino Unido, Francia, Italia, Brasil, Argentina, Cuba, Uruguay, Portugal, Perú, Ecuador, Paraguay, Colombia y Chile, así como en las universidades de Barcelona, Girona, Lleida, Complutense, Zaragoza y Santiago.
Ha publicado, entre otros, los libros Art i Educació, Apaga-la!, Museo tipográfico urbano, Maestros y museos: educar desde la invisibilidad, Ciudadana letra, Mujeres maestras: Identidades docentes en Iberoamérica, La ciudad y sus docentes: Miradas desde el arte y la educación, Transeducar Arte, docencia y derechos lgtb, Arte para primaria, Arte, género y diseño en educación digital, así como artículos en revistas especializadas, habiendo coordinado numerosas publicaciones dentro del ámbito del arte, la educación, la formación de educadores, la lucha LGTB, el patrimonio y los museos. Las letras y los alfabetos constituyen un aspecto relevante de su trabajo tanto a nivel educativo como de creación artística. Ha presentado exposiciones con temáticas muy impregnadas por la tipografía y las caligrafías (Alfabet del Tirant, Alfabet del de Jesucrist, Alfabet del d’Alexandre, Alfabet del de les Ciutats, HomoAlphabet), propuestas a las que incorpora fotografía, dibujo, grabado y video. Sus exposiciones de la investigación artística Mujeres Maestras, se han podido ver en Bruselas (Parlamento Europeo), Santiago de Chile (Museo Artequin), Montevideo (Al Pie de la Muralla), Medellín (MUUA), Lima (Centro Cultural Casa O’Higgins) y varias universidades. Ha dirigido diez jornadas internacionales de investigación en educación artística y cinco congresos internacionales. http://uv.academia.edu/ricardhuerta 

  Adrianne Ogêda Guedes - Professora Associada à Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro (UNIRIO), atuando na graduação dos cursos de Pedagogia presencial e a distância e no Programa de Pós-Graduação em Educação - Mestrado /PPGEDU da UNIRIO. É coordenadora/líder do Grupo de Pesquisa FRESTAS - Formação e ressignificação do educador, saberes, troca, arte e sentidos. Fez o curso técnico de bailarina na Escola Angel Vianna, Arte Educação com Hélio Rodrigues, Métodol Ivaldo Bertazzo de trabalho corporal e realiza atualmente a formação artística com o coletivo Al paso escênico com artistas formadores da Colômbia.

  Clarice Cardell é fundadora, atriz, produtora da companhia teatral, La Casa Incierta. Fundada em 2000, é a companhia com o nome de maior destaque no campo do Teatro para bebês na Espanha e no Brasil, com um repertório 14 espetáculos para bebês. A turnê dos seus espetáculos para bebês no Brasil tem sido uma novidade cultural no país sem precedentes, tendo apresentando seu repertório em diversos festivais, creches e centros culturais brasileiros. No âmbito internacional a companhia realizou mais de 2000 apresentações em festivais ou em países como a França, Espanha, Bélgica, Itália, Portugal, Holanda, Israel, Finlândia e Rússia.
 A companhia La Casa Incierta vem desenvolvendo uma série de projetos inovadores no campo das artes e da primeira infância. Realiza a curadoria e produção do Festival Primeiro Olhar- arte pela primeira infância, em sua 8a edição e coordena o GT Cultura na Rede Nacional pela Primeira Infância. Em 2007, recebeu menção honrosa na ASSITEJ Internacional pela inovação da obra Pupila dágua. Em 2017, recebeu em Washington o premio internacional ALAS BID (Banco Interamericano Mundial), concedido como iniciativa inovadora para a primeira infância.
Desde o ano 2018, funda a produtora Bebelume, dedicada à criação audiovisual poética para os primeiros anos, tendo realizado como diretora e roteirista 4 series para televisões e canais digitais.

  Mestre Kadu começou a praticar Capoeira de maneira informal, em 1976, até começar a praticá-la oficialmente, no início de 1980 com Mestre AC (Antônio Carlos), primeiro Mestre formado por Mestre Adilson. Graduou-se como Aluno Formado em 1988, quando começou a dar aulas. Em 1996, forma-se Contramestre. Em novembro de 2000 é formado como Mestre “Corda Vermelha”, por Mestre Oscar Neto, também da linhagem de Mestre Adilson. Em 2005 afasta-se da Escola Brasileira de Capoeira para formar seu próprio trabalho, o Centro Cultural de Capoeira Gunganagô. É Mestre Corda Preta/Branca” (Mestre 4º) Em 2020, atendendo aos requisitos exigidos o Mestre Kadu estará apto a graduar-se como “Corda Branca”, o 5º e último grau de mestria no Gunganagô. Foi o Dirigente responsável da Escola Brasileira de Capoeira EBC, até fevereiro de 2005, quando se afasta definitivamente desta, para fundar seu próprio trabalho, o Centro Cultural de Capoeira GUNGANAGÔ, sendo o presidente do mesmo. Foi um dos Mestres fundadores da Confraria Catarinense de Capoeira (Triplo C), em 2003, onde teve dois mandatos consecutivos como Presidente. Foi um dos organizadores e realizadores do 1° Congresso Estadual de Santa Catarina, sendo nomeado como um dos delegados para representá-la no primeiro e no segundo Congressos Nacional de Capoeira. Em 2010, foi um dos organizadores e realizadores da Semana de Capoeira de Florianópolis. Foi também um dos idealizadores do MIC (Mosaico Integrado de Capoeira), evento este, com seis edições realizadas.
Foi o criador do Festival de Cantigas Gunganagô, este evento já teve três edições realizadas. Em 2016, compõem a primeira gestão do Colegiado de Mestres de Capoeira de Santa Catarina. Em Março de 2017, compõem a equipe que idealiza e realiza o Curso de Formação Continuada de Educadores de Capoeira de Santa Catarina, realizado na UFSC, com a parceria do IPHAN-SC. Agora em 2020 lança seu segundo CD “O Canto do Capoeira Volume 2”, um álbum com 21 cantigas, todas de sua autoria.
Atualmente continua membro do Colegiado de Mestres de Capoeira de Santa Catarina.

  Mestre Pop é mestre de capoeira atuante desde 1977, criador de importantes grupos que difundiram esta arte no sul do Brasil e em outros países. Foi um dos membros fundadores da Confraria Catarinense de Capoeira (TRIPLO C), do Fórum de Capoeira da Grande Florianópolis e do Colegiado de Mestres de Santa Catarina (coletivo vinculado ao IPHAN). Autodidata nos estudos da transdisciplinaridade, é autor dos livros "Roda partida: Capoeira tem Essência?" e "Desafios pedagógicos para a construção de uma escola de capoeira Transdisciplianar". É diretor do Espaço Transcultural Aruandê e coordenador do Grupo de Estudos Capoeira e Transdisciplinaridade.

  Maria Rita Py Dutra é Doutora em Educação (PPGE/ UFSM), Área de Concentração: Políticas Públicas, realizou a pesquisa Cotistas Negros da UFSM e o Mundo do Trabalho. Mestrado em Ciências Sociais, Área de Concentração: Instituições, Cultura e Globalização (UFSM), com a pesquisa Relação entre Capital Cultural e Consciência Racial de Professoras Negras. Especialização em Supervisão Escolar (FAPAS); Licenciada em Pedagogia. Habilitação: Magistério e Supervisão Escolar (UFRGS); Professora Primária (IEEOB). Está vinculada ao Núcleo de Estudos sobre Memória e Educação/Povo de Clio e ao GT Negros/Necon/UFSM. Tem experiência na área de Ciências Sociais com ênfase em Antropologia, atuando principalmente nos seguintes temas: racismo, discriminação racial, educação étnico-racial, ações afirmativas, gênero e literatura.

  Renato Noguera é professor Associado do Departamento de Educação e Sociedade, do Programa de Pós Graduacão em Educacao, Contextos Contemporaneos e Demandas Populares do Programa de Pos Graduacao em Filosofia da UFRRJ. Pesquisador do Laboratorio de Estudos Afro-Brasileiros e Indigenas (LEAFRO - UFRRJ), coordenador do Grupo de Pesquisa Afroperspectivas, Saberes e Infâncias. Possui doutorado em Filosofia, pela UFRJ. É ensaista, dramaturgo, autor de literatura infantil e roteirista de animação.

  Eduardo Lopes efetuou estudos de bateria jazz e percussão clássica no Conservatório Superior de Roterdão (Holanda). É Licenciado pela Berklee College of Music (EUA) em Drum Set Performance e Composição com a mais alta distinção (Summa Cum Laude). É Doutorado em Teoria da Música pela Universidade de Southampton (Reino Unido), tendo feito Pós-doutoramento no Instituto Superior Técnico (Lisboa).
Em 2015 recebeu pela Universidade de Évora o mais alto título académico português: Agregado em Música e Musicologia.
Ao longo da sua carreira recebeu vários prémios e bolsas de estudo nacionais e internacionais, das quais se destacam: bolsa da Secretaria de Estado da Cultura; Berklee International Grant; Berklee Achievement Scholarship; bolsas do Ministério do Ensino Superior (Praxis e Poci); bolsa da Fundação Luso-Americana para o Desenvolvimento.
Atua regularmente com os mais relevantes músicos portugueses e artistas internacionais de renome, tais como: Mike Mainieri (Steps Ahead); Dave Samuels (Spyro Gyra); Myra Melford; Susan Muscarella; Kevin Robb, Phil Wilson; e Bruce Saunders.
Gravou vários CDs, alguns dos quais em seu próprio nome, destacando-se: "Sons da Terra"; "Canções a Brincar"; "Tributo a Benny Goodman"; "Musicking Shapes". Apresentou-se em concertos em Portugal, Espanha, França, Holanda, Inglaterra, Escócia, Brasil, Japão e EUA.
É autor do método “A Bateria: Estudos para estilos básicos” e de vários artigos e textos sobre a problemática da interpretação musical, teoria da música e ritmo, jazz e ensino de música. Lecionou na Universidade de Southampton no Reino Unido e na Escola Superior de Música e Artes do Espetáculo em Portugal.
De 2012 a 2016 foi diretor do Departamento de Música da Universidade de Évora. Entre setembro de 2016 e agosto de 2017 foi Professor Titular Visitante na Escola de Música e Artes Cênicas da Universidade Federal de Goiás no Brasil. Ao momento leciona bateria, teoria da música e formação auditiva no Departamento de Música da Universidade de Évora onde é Professor Associado com Agregação.

  Rúben López-Cano es autor de un centenar de artículos académicos que abordan temas tan diversos como la retórica y semiótica musicales, filosofía de la cognición corporizada de la música, música popular urbana, reciclaje musical desde la edad media hasta la era mashup, memes y cultura musical digital, musicología audiovisual, diáspora, cuerpo y subjetividad musicales, investigación artística y epistemología de la investigación musical.
Ha escrito los libros Música Plurifocal (México: JGH, 1997), Música y Retórica en el Barroco (Barcelona: Amalgama, 2012), Cómo hacer una comunicación, ponencia o paper y no morir en el intento (Barcelona: SIbE, 2012) e Investigación artística en música problemas, experiencias y propuestas (En coautoría con Úrsula San Cristóbal) (Barcelona: Fonca-Esmuc, 2014). Es editor de Cognición Musical Corporeizada (Epistemus 2, 2013) y coeditor de Música, ciudades, redes: creación musical e interacción social (Salamanca: Fundación Caja Duero, 2008); Semiótica Musical (Tópicos del Seminario 19, 2008) y Música popular y juicios de valor: una reflexión desde América Latina (Caracas: CELARG, 2011).
Dirigió TRANS- Revista Transcultural de Música (2005-2013) y codirige la colección Instrumentos para la investigación musical de la SIbE-Sociedad de etnomusicología. Pertenece a los consejos asesores de L’ESMuC digital (Barcelona); Boletín Música (Casa de las Américas, Cuba), ESCENA, Revista de las artes (Costa Rica), Música Popular em Revista (Brasil), Revista do Encontro Internacional de Música e Arte Sonora!  (Brasil); LIS- Letra, imagen, sonido/Ciudad mediatizada (Argentina), Territorios TMCA (Argentina), Revista ARTilugio (Argentina), Epistemus (Argentina), Resonancias (Chile),  Vox Popular (Italia) e Impar: Online Journal on Artistic Research (Portugal).
Colabora regularmente como docente, investigador y asesor, de diferentes instituciones y proyectos de Europa y América Latina.

  Anna Behatriz Azevêdo é formada em artes visuais – bacharelado e mestra em Arte e Cultura Visual pela FAV/UFG. É professora substituta da Faculdade de Educação/UFG no curso de Pedagogia, Desde 2005 produz trabalhos artísticos que transitam entre as artes visuais e as artes da cena, sendo que performance, dança, videoarte, videoinstalação, videodança, desenho, são as expressões artísticas que mais cria. Tais criações dão passagem para refletir sobre o corpo através da perspectiva da relação, em que corpos são capazes, pelo viés da percepção e sensação, de produzir afetos os quais compreendem as ideias de absurdo, emaranhados de vida e morte em que o corpo é deslocado do lugar de mero instrumento e ferramenta artística para o lugar da experiência e re-existência.
Apresentou trabalhos artísticos em países como o Brasil, Bolívia e Cabo Verde em eventos e espaços como: Diálogos sobre o feminino (CCBB/São Paulo – SP) e CCBB/Rio de Janeiro – RJ, Mostra XYZ de Dança (Brasília/DF), 16° Goiânia em Cena (Goiânia/GO), Mostra Latino Americana de Dança Contemporânea (São Paulo – SP), Danzénica – Mostra Internacional de Dança Contemporânea (Santa Cruz de La Sierra – Bolívia), Galeria ZeroPoint (Cidade de Mindelo/Cabo Verde). Ministrou oficinas de processo de criação e corpo como: “Vivência Corpo-Cabelo” e “Potência Estilhaço”. Dançou no Nômades Grupo de Dança entre os anos de 2005 a 2009.